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丰塔纳姐妹的时尚与她们著名的婚纱尤其紧密地联系在一起，因为国际媒体公布了泰隆·鲍华 (Tyrone Power) 与琳达·克里斯蒂安 (Linda Christian) 于 1949 年 1 月 27 日在罗马举行的婚礼照片，并证实了有关设计师婚纱选择的传闻：琳达·克里斯蒂安 (Linda Christian) 想要一件索雷尔·丰塔纳 (Sorelle Fontana) 设计的高级定制礼服。 Sorelle Fontana 婚纱，1963 年 Cavalli 和 Nastri 档案收藏 新娘身着一件美丽的象牙色丝绸礼服，正面绣有珍贵的刺绣，拖着七米长的裙摆，步入圣弗朗西斯卡罗马纳大教堂。这件礼服一经推出便大获成功，Sorelle Fontana 这个名字也正式成为全新、纯正的意大利式优雅的代名词。当时许多名人都请特拉维塞托洛的三姐妹制作婚纱，包括歌星艾娃·加德纳、萨沃伊公主玛丽亚·皮娅、珍妮特·奥金克洛斯（杰奎琳·肯尼迪和李·拉齐维尔公主的同父异母姐妹）和玛格丽特·杜鲁门（美国第 33 任总统哈里·杜鲁门的女儿），她们想要“用最简约的礼服搭配最珍贵的蕾丝”，事实上，在与克利夫顿·丹尼尔二世的乡村婚礼上，杜鲁门小姐穿了一件及踝长裙，紧身胸衣上绣有古老的威尼斯蕾丝。但最令人着迷的故事仍然是奥黛丽赫本的婚纱，它始于 1952 年，当时这位女演员在罗马拍摄“罗马假日”，并要求丰塔纳姐妹为她即将与英国实业家詹姆斯汉森举行的婚礼制作礼服。 从几张她与姐妹们彩排的照片中可以看出，她选择了一条线条简洁的丝绸缎子连衣裙，船形领口，长袖。然而，婚礼被取消了，奥黛丽再也没有穿过那件别致的连衣裙。在 2012 年的一次采访中，米科尔·丰塔纳回忆说，赫本退还她的裙子时，她要求她们把它送给一个买不起丰塔纳姐妹裙子的女孩，她们照做了：这个女孩名叫阿玛贝尔·阿尔托贝洛，1960 年，她参加了马里奥·里瓦主持的电台游戏节目（后来她赢了），并告诉他们，虽然她订婚了，但她不能结婚，因为她很穷，无法举办婚礼。因此，里瓦被她的故事感动了，决定帮助她，让听众给她赠送各种礼物，以便她能够拥有梦想中的婚礼。 收到的礼物中（例如 RAI 组织的巴黎蜜月之旅）有一条来自罗马的婚纱。丰塔纳姐妹记得她们对奥黛丽赫本的承诺，在对原来的裙子稍作改动（缩短了裙裾，并在腰部加了一个蝴蝶结）后，她们欣然将其送给了阿玛贝尔，但没有告诉她这件裙子原本是送给谁的。2009 年，这件裙子在苏富比拍卖行拍卖，以 12,000 欧元的价格售出。 Cavall 的档案 前往档案

去年 1 月的男装周以 Omicron 变体为特色，而非服装，几场时装秀在最后一刻被取消，大量拭子和感染病例让人们更想坐在沙发上而不是前排；但非常拥挤的设计周让即使是最势利的米兰人也对时尚的米兰萨洛托产生了某种怀旧之情，这种怀旧之情在新冠疫情前时代是如此被诅咒，当时地铁即使在非高峰时段也挤满了人，找到停车位变成了乌托邦，餐厅餐桌变成了海市蜃楼，纳维利成为但丁的圆圈。为了回应这种米兰式的怀旧之情，致力于 2023 年春夏的男装周已经到来，虽然精简到极致（是的，不是两天半的时装秀），但仍然存在，随时准备高举意大利制造的旗帜，并提醒我们集体经验的价值，即使在时尚领域也是如此。然而，发生的事情是无法抹去的，因此，在高中考试即将开始、滚石乐队在圣西罗演唱会结束后，在炎热的夏至，米兰大主教决定援引圣母玛利亚赐予雨水的礼物，人们不禁想知道时尚行业的总体状况，以及它是否在最近的全球变迁之后重新调整。正如 Silvia Schirinzi 在 Rivista Studio 中写道的那样，尽管大品牌现在大多在时尚之都之外展示时装，尽管时装周本身的形式让大多数人感到无聊，但“一切似乎都恢复了正常，就像我们发誓不再想要的那样：市场上的产品泛滥程度保持不变，甚至有所增加，但仔细观察，是的，他们可以清楚地看到危机留下的迹象。”然而，并非所有的邪恶都有一线希望。如果在附近的佛罗伦萨，Pitti Uomo 仍然陷入如今陈腐的街头服饰和 Instagram 友好型时尚中，这种时尚倾向于支持光鲜亮丽的美学（以及那些买得起的人），而忽视了真正创新的内容，那么在米兰，他们在时尚四边形狂欢节之外为一些私密人士举办了概念展示——这是一种不那么“壮观”的动态，重点放在时尚系统进步的基本主题上，例如可持续性、回收利用和重新发现用当代语言翻译的高超工艺。沿着这条路线，维泰利在多民族社区 Porta Venezia 开设了一家快闪店，专门销售用纺织工业废料制成的针织品，马利亚诺在一个废弃的 Enel 小屋里摆满了用回收围巾制成的夹克，而 1017 ALYX 9SM 的创意总监马修·M·威廉姆斯 (Matthew M. Williams) 在 Scarioni 游泳池里展示了男女同款服装，尽管这个游泳池早已被废弃，但事实上，尼瓜尔达社区正在不懈地争取将其最终归还给市民。 备受期待和热议的 Gucci HA HA HA 胶囊系列发布会由位于 Mora 街 3 号的 Cavalli e Nastri 男装精品店举办，该系列由哈里·斯泰尔斯 (Harry Styles) 联手打造。该系列以创始人哈里和亚历山德罗的姓名首字母命名，并以笑脸作为两人在一年多的酝酿中不断交换的 WhatsApp...

约会游戏正在以超音速的速度发生变化。结婚？你可以，但你不应该。在这个短暂的关系和约会应用程序的时代，“单身生活”被视为值得追求的事情，而不再是失败（幸运的是），婚姻似乎不合时宜，绝对过时。特别是，这一点需要澄清的是，异性恋伴侣之间，因为同性伴侣之间是最近的成就，因此是平等权利方面的胜利。当今西方社会的建立方式，特别是在城市中，人们大多独自生活，自谋生路，完全根据自己的愿望和需求为自己做出决定。这是个人主义的胜利。但还有更多：婚姻曾经被认为是建立家庭的必要先决条件，现在，单身母亲的耻辱终于消除了，只有那些希望收养孩子的人才能结婚，因为至少在意大利，只有已婚夫妇才能收养孩子（谁知道为什么）。考虑到人们普遍不再生孩子——因为“生育”不再被视为必不可少，最重要的是，养育孩子的成本越来越高，帮助越来越少——婚姻进一步失去了意义。除此之外，离婚是一项神圣不可侵犯的权利，它确实拯救了数百万人的生命，尤其是女性的生命，但也不可避免地使婚姻的概念变得更加短暂；曾几何时，你结婚了，无论好坏，它都是永远的，而今天人们倾向于认为它更像是一个阶段，希望它能永远持续下去，但事实并非如此。然而，在所有这些情况下，有些人逆潮流而行，继续结婚。要么是因为某些习惯很难改变，要么是因为，正如有人所说，在这个一切都进展迅速、关系迅速结束、工作、城市和伴侣以前所未有的频率变化、孩子成为一种奢侈品的时代，结婚是一个人能做的最具革命性的行为之一。鉴于这些前提，有趣的，或者至少令人惊讶的是，女性仍然穿着经典的白色婚纱结婚。至少可以说，婚姻的价值、意义和概念本身已经发生了根本性的变化，但白色公主裙却保留了下来；也许它已经现代化了一点，例如，裙裾和面纱只剩下了一个——可疑的——记忆，轮廓变得更干净，形状更简约，甚至裙子也变得更短，有时变成迷你裙，但它仍然保留着与你通常穿的裙子截然不同的理念。一件独一无二的裙子，一生只穿一次。这种组合——白色+只穿一次的裙子——让一切都变得更加过时。与可持续性相关的话语在时尚界占据着越来越重要的地位，消费者本身，尽管进展缓慢，也在朝着更有意识的服装选择迈进。“一生一次的礼服”的概念，虽然可能是以合乎道德的方式生产的，但实际上与可持续性的原则本身相冲突。然后就是白色：对不同颜色婚纱的需求没有增长的迹象，相反，白色甚至“侵袭”了印度和中国等拥有丰富多彩的剪裁和婚礼传统的国家。 婚纱并非一直都是白色的，婚纱本身也并非一直都是一种服装类别。几个世纪以来，女性结婚时都穿着优雅的礼服，各种形状和颜色，只是反映了时尚潮流。有记录的第一件白色婚纱可以追溯到 1406 年，属于英国国王亨利四世的女儿菲利帕公主。一个半世纪后，年仅九个月大的苏格兰女王玛丽·斯图亚特在 1558 年与法国国王弗朗西斯二世的婚礼上选择了一件白色礼服，这违背了所有好兆头：白色对于法国王室来说是哀悼的颜色。但直到维多利亚女王与她的堂兄结婚后，穿白色结婚才成为一种习俗，同时人们还认为礼服的白色代表着新娘的纯洁（即贞洁）。既然已经确定，如今在西方，处女结婚的女性确实只占很小的比例，而且维多利亚女王于 1840 年结婚，那么白人至上主义在 2022 年的持续存在确实令人难以理解。一种可能的解释，比我们通常倾向于用“我们都想穿公主裙度过一个公主日”来驳斥这个问题的平淡一些，尽管这往往绝对不是事实，但这种解释是出于对传统的热爱。不是一般的传统，而是我们家族的特定传统。我们嫁给白人，因为我们的母亲、祖母和曾祖母嫁给白人；我们看到了那些婚礼的照片，那些女人穿着看起来更像巨大的裹尸布而不是礼服的婚纱，我们看到礼服本身，埋在成吨的樟脑丸下，但仍被爱所保存，就像快乐的承诺和青春的回忆。即使我们出生时的婚姻并不总是像我们希望的那样幸福和长久，那也没什么，承诺是那样，回忆是那样，樟脑丸的味道不足以抹去梦想的味道。曾几何时，我们常常把母亲的婚纱挖出来，稍微缝补一下，然后就走向圣坛。现在不再这样做了：部分原因是我们不确定父母的品味是否符合我们的品味，这是合理的，部分原因是婚纱必须是新的、非常昂贵的，并反映最新的潮流，尽管很明显，新娘遵循的潮流与成衣的潮流几乎没有关系。此外，现在似乎你必须有两三套衣服，像名人一样在晚上更换。好消息是，这些都不是强制性的。然而，在这一点上，如果我们真的为了对这些穿着薄纱和尚蒂伊蕾丝的幽灵的爱而结婚——穿着白色——这些幽灵充斥着我们父母家的墙壁和祖母家的阁楼，如果我们真的觉得祖先的礼服不可能，那么最合乎逻辑、最可持续、最后但并非最不重要的时尚选择就是购买一件复古礼服。毕竟，正是在这些衣服中，往往是裁缝杰作，采用现在无法获得的面料制成，蕴含着婚姻的历史。在紧身胸衣、刺绣、不可捉摸的面料、重现时尚历史的轮廓中。一件“新”礼服，只属于我们，同时又富有传统，已经在流通，不会对环境造成影响，反而会减少或至少延迟废物的产生。这样，不仅可以从这个或那个工作室的收藏中汲取灵感，还可以从整个服装历史中汲取灵感，以适应自己的品味，希望有一天我们的女儿也会这样做。如果我们谈论风格和趋势，“复古婚礼”还为客人提供了使用档案物品的机会，而不是求助于新物品，或者在没有资金的情况下，求助于快时尚。不仅仅是衣服：衬裙、晨衣、睡袍、20 世纪 20 年代的和服、流苏披肩……整个复古曲目都可以赋予优雅、珍贵和非传统的礼服生命。因此，一场真正基于传统的活动成为传统本身的别致、原创和可持续的代表。时尚会过去，婚礼也会过去，但美丽永存。英国有句古老的谚语：有旧的，有新的，有借的，有蓝色的。谁说衣服不能是旧的呢？

虽然看起来整个世界，包括时尚和艺术，都已经进入了虚拟现实，尝试创建 NFT 和元宇宙友好型项目，例如虚拟形象的收藏和实际上不存在的艺术作品（如果你将存在的概念与一个人的家或任何可以行走、呼吸等的地方联系起来），但今年由塞西莉亚·阿莱马尼 (Cecilia Alemani) 策划的 2022 年艺术双年展的中心展览提供了不同的视角，提醒我们视觉艺术仍然由材料、技术和真实物体构成，观众可以而且必须通过多感官的方式与它们建立关系——视觉、触觉、嗅觉、听觉。只是缺少了味道，但某些作品的味道仍然可以感受到，甚至在嘴里。展览的名称“梦之乳汁”已经让人联想到一种不那么反乌托邦的意象，而过去两年，由于疫情，我们一直沉浸在这种意象中：乳汁、梦、白色、柔软。母性也一样，不一定被理解为“母亲”，而是“滋养女性”，通过乳汁，也通过故事、传说，尤其是通过双手，创造、指导、教导、传承一些人认为已经消亡和埋葬的学科。《梦之乳汁》是 Leonora Carrington 写的一本儿童读物的名字，在这本书中，这位超现实主义艺术家描述了一个魔幻世界，透过想象的棱镜，可以看到这个世界，里面居住着不断变化和多面的生物——一个自由的世界，任何人都可以转变成其他人或物。塞西莉亚·阿莱马尼 (Cecilia Alemani) 在花园的中央展馆和军械库建筑群的一些空间里摆满了卡林顿的生物，它们引导观众踏上一段旅程，了解身体的变形、人类的定义以及人与动物、有机与无机之间的关系。展览基于阿莱马尼和参展艺术家多年来进行的对话：“人类的概念是如何变化的？生命是由什么构成的？植物和动物有什么区别？有生命的和无生命的？在一个充满灾难的时代，我们该如何处理这一切？”策展人和艺术家都注意到了当代技术及其革命性的力量，但他们并没有简单地“揭露”它，而是通过强调它的矛盾来应对它：一方面是科学的可能性，另一方面是人工智能完全控制我们存在的合理恐惧。 展览包括来自 58 个不同国家的 200 多位艺术家，其中 180 位是首次参加双年展，而且，这也是第一次，大多数艺术家都是女性或中性艺术家。毫无疑问，至少在意大利，我们并不习惯看到如此重要的展览由女性策划，我们甚至不习惯与白人男性主导的叙事方式不同的叙事方式。这种女性特质，无论是被渴望的还是不被渴望的，都如此真实而强大，以至于超越了作品，成为环境本身的一部分：展览空间中弥漫着一种“女性的气味”，汗水、牛奶、血液，以及所有那些属于身体部位的粘性，而这些部位通常被压制或以刻板的方式叙述。格温多林是 Nike de Saint Phalle 的著名 Nanas（女孩）之一，她通过变形身体比例来探索身体的可能性，给我们带来球形腹部和突出的乳房。这里有米丽亚姆·卡恩的画作，其中有 28 幅作品专门描绘分娩、月经和各种性行为。还有保拉·雷戈的家庭心理剧，反映了家庭和家庭中的问题，将日常生活变成了怪诞的场景。还有安内塔·格雷泽齐克的摄影作品，通过艺术家的女儿与描绘母亲的硅胶娃娃之间的互动，颠覆了传统的母女关系。西蒙娜·利的巨型雕塑《布里克之家》位于军械库的入口处，描绘了一个没有眼睛的女性形象，注视着这一切。因为最近有很多东西是女性不愿看到的。然而，促成这种决定展览的女性感觉的不仅仅是女性艺术家、所涵盖的主题，以及坚定地守护着她们的造物的母亲。展览还留出了很多空间来展示传统上被认为是女性的技术，例如刺绣、花边结和编织。这就是纺织体和风景的诞生方式，它们讲述了织布机、纺车、针线和所有这些物品的故事，以及时尚界的典型知识，在这个快时尚和一次性衣服的世纪里，似乎没有人记得它们。这就是 Mrilnani Mukherjee 用古老的阿拉伯花边结技术制作的巨型雕塑，突尼斯艺术家 Safia Farhat 制作的梦幻挂毯，以及 Tain Lewis 用废弃布料制作的护身符，这些护身符需要耐心和身体上的痛苦（手、背、头，因为闪光的不一定都是金子）。还有 Igshaan Adams 的纺织作品，这是线、织物、珠子、结和编织的杰作，因为我们希望，在 2022 年，“女性”不再意味着女性的专属特权，甚至更糟的是“轻浮”，而是一个开放的邀请，去探索属于每个人的艺术、社会和文化维度，但长期以来，它一直远离国际艺术舞台的聚光灯，被贬低为祖母阁楼的创意等价物，就像不久前对叛逆女性所做的那样。感谢 Cecilia Alemani 的《牛奶和梦想》，感谢 Leonora Carrington 的神奇生物，感谢双年展本身，即使现在看起来荒凉，它仍无畏地展望未来。希望这是一个新的、漫长的、奇妙的故事的开始。

摄影师大卫·拉切贝尔（David LaChapelle）以这样的信息开启了“大卫·拉切贝尔。我相信奇迹”的展览。在纽约生活了很多年之后，自 2006 年以来，拉切贝尔一直住在他创立的夏威夷有机农场里，那里没有现代世界的痕迹，一切都由太阳能和水能提供动力。他曾多次表示，他的选择是因为在广告领域忙碌的工作后需要与世隔绝，并感到需要全身心地投入到艺术中。然而，这次展览提出了关于这一选择和这种彻底的生活变化的问题：米兰 Mudec 目前正在举办的展览是一次全新的、在某种程度上出乎意料的拉切贝尔展览，它以批判的眼光审视了人类灵魂，探究了痛苦、孤独、欢乐、激情和理想。人们不禁会想，这些孤独、欢乐和痛苦中有多少来自艺术家对自己经历的反思。上世纪 80 年代和 90 年代，艾滋病在纽约肆虐，夺走了无数人的生命，其中许多人最初属于 LGBTQ 群体，以至于偏执者和有良知的人都谈到了“最后的审判”，这种疾病影响了同性恋者和妓女（在意大利，1968 年之后，有人会谈论神的惩罚）。LaChapelle 眼睁睁地看着朋友们死去，而他自己则在等待轮到自己。多年来，他无法找到一个合理的解释来解释自己为什么没有被感染，于是他得出结论，自己是一个奇迹创造者，因此展览的名字是：我相信奇迹。1 LaChapelle 以自己的方式谈论现代性，以一种流行的方式，而不是知识主义。他的风格特征——超现实主义的照片，以明亮的色彩、梦幻般的、有时怪异的氛围为特征——经常被描述为巴洛克风格，甚至是过度的。一种高度构造的摄影，不是由后期制作定义的，而是由重要场景的构建、高度精致的模特选择和对光线的熟练运用定义的。展览涵盖了艺术家反复出现的主题：对美国梦的批判、环境危机和神秘主义，尤其是后者。展览中展出了他最著名的一些作品，如著名的《汉堡之死》（一个女孩的双腿只能被一个汉堡形状的巨型充气物覆盖，因此只能看到她）、《天堂到地狱》（米开朗基罗的《哀悼基督》版中的科特妮·洛芙肖像，是这位艺术家最受好评的摄影书籍之一的封面），以及《洪水系列》（大洪水）中的一些作品，这些作品描绘了博物馆和大教堂等空间部分或全部被洪水淹没的场景。此外，还有几幅受圣经宗教启发的作品，自然而然地以流行音乐的形式重新呈现。一些镜头安装在让人想起教堂古筝的结构上。照片的主角始终是 LaChapelle 作品中的冷酷模特，但细心的人可以注意到“主题的变化”，例如服装的选择：不再是 90 年代的光鲜魅力，而是 70 年代的复古美学与未来主义的 Iris Van Herpen 风格服装的混合。展览中途左右的一幅较新的三联画代表了 Covid-19 大流行造成的孤独和对数字媒体的依赖，以及对日益自私和虚荣的人性的毫不掩饰的批评。 也许正是疫情激发了这位摄影师的反思之路，我们看到他的讽刺意味有所消失，取而代之的是荒凉和世界末日的氛围。然而，从视频《启示录》（也在展出）中截取的一帧画面，在其简单性中蕴含了艺术家赋予爱和一般情感的所有价值，这是对衰落社会唯一的救赎方式：在一座废弃城市的中心，所有窗户都被木板封住，到处都是垃圾堆，一位老年男子和一位老年妇女热情地接吻。向过去致敬，希望一切能恢复原样。   “ David LaChapelle。我相信奇迹”将在米兰 Mudec 展出至 2022 年 9 月 11 日。信息mudec.it

服装史和复古（抱歉，是档案）时尚的爱好者们对今年的 Met Gala 充满热情。白领带是“镀金魅力”的代号，旨在反映纽约的镀金时代（马克·吐温于 1873 年创造的术语），这一历史时期从 1870 年持续到 1890 年。在此期间，这座城市从社会、经济、政治甚至时尚的角度逐渐现代化。在那些年里，随着欧洲移民涌向美国梦的港口，摩天大楼拔地而起，成为这座城市天际线的标志。资产阶级和贵族家庭的美国血统可以追溯到五月花号，他们努力将所谓的“新贵”排除在他们的圈子之外，这些暴发户工业家很快就会在权力和声望的竞争中超越他们。在较近的时期（例如去年），镀金时代也启发了朱利安·费罗斯拍摄最新的 Hulu 系列剧，其中包括辛西娅·尼克松的主演。从服装上看，镀金时代的有闲阶级追求奢华：露出乳沟的薄纱连衣裙、毛皮斗篷、及肘长的手套，当然还有紧身胸衣。男士则戴高礼帽和参加晚礼服。正如爱丽丝·泰勒在《Vogue Us》中所解释的那样，动力织机的发明意味着织物变得更便宜、生产速度更快。因此，女士连衣裙通常采用不同材质的组合——缎子、丝绸、天鹅绒和流苏，全部饰以大量的蕾丝、丝带和褶边。基本上，服装上的元素越多越好。这次大都会博物馆的理想目标是向那个时代的裁缝、女装裁缝和设计师致敬——包括那些辉煌的名字和那些被遗忘但值得被铭记的名字。   但让我们退一步来看：Met Gala 到底是什么？《纽约时报》的 Venessa Friedman 对此的描述最为贴切：“正式来说，它是大都会艺术博物馆服装学院的慈善晚会，是每年 5 月第一个星期一为服装学院筹款而举办的盛大晚会。非正式来说，它是‘年度派对’、‘东海岸的奥斯卡’和‘大都会的 ATM’（后一个定义来自公关人员 Paul Wilmot）。”美国版《Vogue》主编兼康泰纳仕集团艺术总监 Anna Wintour 于 1995 年出任总裁，并于 1999 年接任该活动的常任总监。她将当地的一项慈善活动转变为名人聚会的终极权力盛会，门票价格为每人 3.5 万美元，桌位价格从 20 万到 30 万美元不等。这场晚会标志着服装学院主要年度展览的开幕，着装要求通常与展览主题相关；今年的展览主题为“在美国：时尚选集”，这是一部关于美国时尚的相关性和力量的传奇故事的第二部分（第一部分为“在美国：时尚词典”）。鉴于晚会的主题，复古风成为街头潮流的主导，可持续性最终也成为时尚界的中心，因此，趋势预测者无需预测红毯上会出现几件复古风或受设计师档案启发的服装。 例如，Nicolas Ghesquière（Louis Vuitton）的所有缪斯女神——包括郑珠妍、艾玛·斯通和辛西娅·艾莉沃——都身着该品牌根据她们的品味量身定制的服装亮相红毯。艾玛·斯通的服装尤其让人联想到 20 世纪 20 年代的轻佻女郎。Adut Akech 则选择了 Shrimpton Couture 的一件翠绿色...

金伯利·汤普森 创意总监 Lorem Ipsum 只是印刷业的虚拟文本。自 1500 年代以来，Lorem Ipsum 一直是该行业的标准虚拟文本，当时一位不知名的印刷工从字样中取出一页并将其打乱，制作成一本字样书。 2022 年春夏时装秀标志着迷你裙的回归（如果还有疑问的话）。无论是 Marco Rambaldi、Supriya Lele 和 Nensi Dojaka 等新兴设计师，还是 Gucci 和 Prada 等更成熟的品牌，似乎都同意是时候减少长度了。这次复兴的标志性服装是 Miu Miu，由 Lotta Volkova 设计，有点让人想起了第一代布兰妮·斯皮尔斯 (Britney Spears) 的洛丽塔风格（Baby One More Time，1999 年）；那条比迷你更迷你的裙子和那件短款毛衣迅速风靡全球，造型师争相购买，名人争相看谁穿得最好。在时尚语言中，迷你裙代表着自信和乐观，当然，我们现在都需要很多这些东西。然而，在这个特定案例中，它可能更多地与对“过去的美好时光”的怀念有关，即疫情前、战前、气候危机前的时光；换句话说，2000 年代的轻松，目前不仅在时尚领域，而且在生活方式领域，都主导着所有趋势。迷你裙的“母亲”是玛丽·奎恩特，本名芭芭拉·玛丽，时尚先驱和摇摆伦敦的偶像。她于 1934 年出生于伦敦郊区布莱克希特，出身于一个安静的中产阶级家庭。玛丽的不墨守成规的态度在她的青春期就表现出来，当时这位未来的设计师离开家飞往伦敦。在这里，她遇到了亚历山大·普兰凯特·格林，并嫁给了他，他是一位同样波西米亚风格的贵族后裔年轻人。凭借从他那里继承的资产，玛丽·奎恩特在 1960 年代中期成功在切尔西区的国王路开设了她的第一家精品店 Bazaar。起初，这家商店在伦敦人中引发了一种欢乐的感觉，尤其是因为经常光顾的一群年轻人。然而，随着时间的推移，旨在吸引新一代人注意力的商店橱窗开始吸引电影、戏剧和艺术界的人们。在同一时期，迷你裙或迷你裙也诞生了，这个名字的灵感来自于当时非常流行的同名汽车。由于 Bazaar 的顾客不再能想象自己穿着妨碍行动、不反映生活方式的长裙，玛丽想出了一个想法，建议设计一些更短、更实用的裙子，也许她只是最初了解这种服装将具有的革命性力量。正如设计师自己后来所说，“是街道发明了迷你裙。” 20 世纪 60 年代，伦敦催化了新一代人对变革的渴望。音乐、风格、艺术和时尚成为决裂和反叛的表达。在这种背景下，短裙成为一种“突破”的方式，与前几代人以及一个古老而循规蹈矩的国家。在这种背景下，玛丽·奎恩特的成功势不可挡：布朗普顿路的一家商店被添加到 Baazar，同时为 Ginger Group 的成立奠定了基础，这使得迷你裙革命也有可能出口到美国。模特...

1948 年，Lyda Coppola 在威尼斯出生的托波 (Toppo) 创立了高级珠宝品牌 Coppola & Toppo，此前她曾就读于威尼斯美术学院，并就读于著名珠宝设计师 Ada Politzer 的实验室。Lyda 的母亲是来自的里雅斯特的犹太人，父亲是那不勒斯人。她开始以一种非常规的方式混合来自半岛各个地方的材料来制作珠宝，从穆拉诺玻璃到托雷德尔格雷科珊瑚。战争结束了，世界渴望美丽，Lyda 的珠宝正是人们所需要的：不同寻常、现代、精致，能够抹去近期恐怖的力量。 Coppola & Toppo 的作品——珠宝，还有鞋子、围巾、包、腰带和围巾——立即吸引了当地高端裁缝和法国设计师的注意。1948 年，出生于威尼斯的托波的 Lyda Coppola 与她的兄弟一起创立了高级定制珠宝品牌 Coppola & Toppo，此前，她曾就读于威尼斯美术学院，并就读于著名珠宝设计师 Ada Politzer 的实验室。Lyda 的母亲出生于的里雅斯特，是犹太人，父亲是那不勒斯人。她开始制作珠宝，以一种非常规的方式混合来自半岛各个地区的材料，从穆拉诺玻璃到 Torre del Greco 珊瑚。战争结束了，世界渴望美丽，Lyda 的珠宝正是人们所需要的：不同寻常的、现代的、精致的，能够抹去不久前恐怖的力量。 Coppola & Toppo 的作品——珠宝，还有鞋子、围巾、包包、腰带和围巾——立即吸引了当地高端裁缝和法国设计师的注意。Elsa Schiaparelli、Jacques Fath、Edward Molyneaux、Robert Piquet、Pierre Balmain、Jeanne Lanvin、Nina Ricci、Cristobal Balenciaga 和 Jacques Heim 都是该品牌的首批客户。Coppola...